Consciences planétaires

Hervé Fischer - France et Canada

Il n’existe pas d’art planétaire et nous espérons qu’il n’en existera jamais. Nous espérons que le marché spéculatif mondial n’aboutira pas à un mélange de paramètres multiculturels du type de la cuisine dite internationale. En revanche nous verrons certainement de plus en plus émerger un art conscient des enjeux planétaires humains et écologiques. Les nouvelles sensibilités qui déjà s’expriment fortement en dehors du market art spéculatif et sans éthique, relèvent incontestablement des questions sociales d’inégalité et de violence, de démocratie, de de diversité et de liberté d’expression, écologiques de survie de la planète et de l’espèce humaine. On peut les synthétiser : ce sont des questions philosophiques et éthiques. Il n’existe pas une conscience planétaire, mais une diversité de consciences planétaires qui tendront de plus en plus à respecter et faire respecter l’universalité de ces droits humains dans la diversité des cultures, ne serait que selon leur exigence minimaliste, dont nous sommes encore si éloignés.

Inactualités et résonances mythanalytiques autobiographiques

Orazio Maria Valastro - Italie

L’écriture autobiographique tente de concilier la profondeur et la surface des images, en quête intense du monde et de la vie. Cette expérience autobiographique transformatrice nous appelle à une responsabilité créatrice d’espoir et nous libère des fatalismes toxiques. Naît une pensée sensible, à l’opposé des théories dogmatiques de l’autobiographie : elle nous donne confiance dans les femmes et les hommes et développe une exigence éthique dans le corps à corps social. L’écriture autobiographique est alors ponctuée d’étonnements et de trébuchement face à la continuité et à la discontinuité de nos itinéraires existentiels.

Les arts en période de transition : de nouvelles problématiques

Amalia Barboza - Brésil et Allemagne

Amalia Barboza souligne la capacité de l’art à ouvrir de nombreux espaces d’action et de réflexion à travers des ambivalences. L’art réussit souvent mieux à exercer une influence sociale ou politique lorsqu’il ne prend pas une position univoque et libère ainsi de nombreuses possibilités et processus de décision. Comme si le pouvoir politique et critique de l’art résidait surtout dans sa capacité à créer un espace de réflexion ouvert, qui nous confronte à nos propres questions. Elle appuie ses analyses sur les positions théoriques de Norbert Elias, Hanna Deinhard et Alain Resnais.

La mise en réseau versus la société : quelques réflexions éparses

Vittore Baroni - Italie

L’art postal est un phénomène artistique planétaire, héritier de Dada et de Fluxus, qui depuis les années 60 a impliqué des milliers d’opérateurs dans un circuit créatif vertueux aux caractéristiques utopiques et libertaires. La boîte aux lettres sert à tisser des réseaux de contacts et de synergies entre artistes visuels, écrivains, poètes, musiciens ou simplement personnes intéressées, en véhiculant toutes sortes de matériels. Le circuit de l’art postal surmonte les limites géographiques et les barrières de la langue, de la race, de la religion ou des convictions politiques, préfigurant (bien avant l’arrivée d’Internet) le prototype original d’une stratégie de coopération culturelle globale, ouverte et multiethnique. Les caractéristiques spécifiques et dérangeantes de l’art postal sont son ouverture à tous et le fait que les œuvres sont faites pour être données plutôt que vendues. Ainsi, une nouvelle figure d’opérateur culturel prend forme, le networker, qui promeut une pratique artistique interactive et non compétitive - le networking - éphémère mais riche en valeurs éthiques, peut-être juste ce dont le monde post-Covid 19 a besoin.

L’art du possible que l’on peut présumer

Dimitry Bulatov - Russie

Le fait que les artistes modernes se tournent vers la science et les dernières technologies - robotique, informatique, biomédecine - nous oblige à reformuler notre concept de l’art. Il suffit d’imaginer un organisme cybernétique « semi-vivant » ou une culture neuronale dans les couloirs d’un musée ou d’une galerie pour comprendre que l’infrastructure artistique existante (stockage, représentation, etc.) n’est absolument pas équipée pour ce genre d’œuvres. Tous ces sujets non humains qui interagissent les uns avec les autres donnent naissance à un ensemble systémique complexe, à de nouveaux espaces pour l’existence de l’art, où l’homme ne se voit plus attribuer le rôle le plus important. Existe-t-il des concepts et des formats d’art fonctionnels qui s’inscrivent dans le cadre de ces innovations technologiques ? Peuvent-ils contribuer à stimuler de nouvelles recherches et interventions artistiques critiques à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie ?

Instable : approches poétiques du massacre de Curuguaty en 2012

Damián Cabrera - Paraguay et Brésil

Un raid irrégulier et une opération d’expulsion ont été menés par la police nationale sur les terres de Marina-Cué, dans le district de Curuguaty, à Canindeyú, au Paraguay. Cela a conduit à une confrontation entre les paysans occupant les terres publiques et la police, entraînant la mort de 11 paysans et de 6 policiers. Les images présentées et questionnées dans ce texte ont été produites principalement par des artistes et des activistes qui ont remis en question le récit officiel criminalisant des luttes paysannes pour le droit d’accès à la terre, et ont consolidé la configuration de cet événement politique comme un point d’interrogation. Ces images offrent également une occasion de réfléchir sur les zones de turbulence entre l’art et la politique, à partir des catégories de l’archive, du document et du témoignage dans la construction de récits de justice et l’inscription poétique de la dissidence politique.

Cartographies, avant-projets et opérations socio-esthétiques dans l’œuvre d’Horacio Zabala

Fernando Davis - Argentine

Le texte analyse le travail de l’artiste visuel et architecte argentin Horacio Zabala entre 1972 et 1993. Une partie de son œuvre « Este papel es una cárcel » [Ce papier est une prison], comme une intervention artistique, critique et politique qui inaugure dans la production de Zabala une réflexion sur la mécanique du pouvoir qui opère dans le dessin des limites, des territoires et des corps, en même temps qu’elle s’articule comme un geste qui vise à déplacer ou à interrompre ces ordres normalisés.

Paris - Guizhou : le patrimoine culturel immatériel, la créativité et le développement durable célébrés par le Prix Jinji

Dong Zipeng - États-Unis et Chine

Felicie Corre - France et Chine

Zhang Xiaoming - Chine

Le 25 octobre 2020, à Danzhai, Guizhou, en Chine, le patrimoine culturel immatériel chinois et le Prix de la créativité Jinji Award ont organisé une grande cérémonie de remise des prix. Felicie Corre, une Française qui a fondé la marque CHINOISES, a remporté le premier prix du groupe thématique Guizhou avec des créations de mode basées sur l’artisanat ancien des Miao. Ce résultat inattendu a attiré l’attention des invités et des médias. Le Prix Jinji récompense l’excellence, non seulement pour la protection et le développement du patrimoine culturel immatériel par la créativité, mais aussi dans la lutte contre la pauvreté. L’histoire de Felicie, lauréate du Prix Jinji, nous ouvre le chemin de Paris à Guizhou, mais aussi de Guizhou à Paris. C’est ce type de démarche que nous voulons mettre en œuvre en faveur du développement durable, espérant que la rencontre de différentes nations et cultures nous apportera un avenir plus diversifié.

Quelques démarches artistiques inscrites dans la société indienne et qui ont une résonance sociologique planétaire

Shilpa Gupta - Inde

« Le travail de Shilpa Gupta est à mon sens exemplaire de l’art que j’appelle sociologique, souvent in situ, dans le train, dans la rue, conçue dans une culture indienne différente de la culture européenne, mais qui pourtant acquiert immédiatement une efficacité de questionnement en résonance planétaire, car "nous vivons tous sous le même ciel". Et en effet le travail de Shilpa Gupta a été reconnu et exposé mondialement. En outre, les thèmes que l’artiste aborde sont eux-mêmes très internationaux. Elle interroge notre conscience humaine : la liberté d’expression et sa répression, les différences entre nos cultures qu’il faut savoir accepter et même valoriser, l’apprentissage malgré nos peurs ("il n’y a pas d’explosif ici") d’un "vivre ensemble", en dépit de toutes les différences, par-delà les frontières religieuses, politiques, linguistiques, culturelles. Et je me sens très proche de sa démarche» Hervé Fischer.

Le musée animiste du lac Texcoco et son imbrication environnementale au Mexique

Adriana Salazar - Mexique

David Gutiérrez - Colombie et Mexique

À travers les notions d’enchevêtrement et d’animisme, cet article cherche explore les connexions historiques et politiques, humaines et plus qu’humaines au sujet du lac Texcoco. Une approche qui part de la recherche artistique pour s’inscrire dans les contingences écologiques et politiques du territoire du Mexique central.

Un collectionneur dans le siècle : entretien avec Hervé Fischer

Jorge Helft - France

La vie de Jorge Helft, né dans un groupe de familles qui ont été parmi les plus grands marchands et collectionneurs français d’art moderne et contemporain, amis de Picasso, Matisse, Léger, a été bousculée par la conquête nazie lors de la Seconde guerre mondiale. Émigré à New York, puis à Buenos Aires, il y a quand même suivi la tradition familiale, incluant cette différence radicale que faisait son père entre la valeur de l’art et son commerce. C’est la vibration de l’œil qui compte. Et il est resté fidèle à cette idée que l’art, comme la musique, se juge à l’écho esthétique que l’on ressent, comme le lui disait aussi Marcel Duchamp. Il a acheté quelque 2000 œuvres au cours de ses soixante années de collectionneurs, mais jamais par calcul, parce qu’il aime vivre avec des œuvres de Goya, de Klee, de Duchamp, d’Antonio Vigo.

Hégémonies et quête d’identité : entretien avec Hervé Fischer

Moridja Kitenge Banza - Congo et Canada

Cet entretien de Moridja Kitenge Banza avec Hervé Fischer met en évidence la nécessité pour l’Occident de revisiter aujourd’hui et réparer les perversions de l’esclavage et du colonialisme qu’ils exercèrent sans merci, ainsi que la quête d’identité incessante des descendants de ceux qui en furent victimes. L’art apparaît à Moridja Kitenge Banza comme le seul territoire qu’il puisse s’approprier pour exprimer le constat critique qui le délivrera du passé tout en questionnant la conscience de nos sociétés qui furent colonialistes et gardent encore si souvent des réflexes dominateurs et racistes. L’art est le seul pays où il peut à son tour redessiner arbitrairement les frontières, comme le firent les conquêtes coloniales, et suivre les lignes individuelles de sa main sans contrainte pour s’exprimer et vivre librement.

L’exposition comme laboratoire critique chez Walter Zanini

Elena Lespes Muñoz - Brésil et France

Au Brésil, sous la direction de Walter Zanini (1963-1978), le MAC-USP, Musée d’Art Contemporain de l’Université de São Paulo, fut un lieu d’expérimentation artistique à la liberté rare sous la dictature du Général Castelo Branco (1964-1985). Particulièrement sensible au questionnement qui traverse l’institution muséale traditionnelle, ainsi qu’à la nécessité de voir celle-ci se réinventer malgré les difficultés du contexte, Walter Zanini ouvre l’espace aux expérimentations de la jeune création contemporaine au travers de différentes expositions telles que les Jovem Arte Contemporanea (1963-1974). La JAC VI de 1972, qui sera présentée ici, est particulièrement emblématique de ces questionnements que n’a cessé de développer Walter Zanini tant dans ses écrits que dans ses collaborations avec des artistes pour concevoir des formats d’expositions originaux et interroger l’institution. Par son engagement, il a cherché à faire du musée un espace laboratoire richement marqué des aspérités et des frictions qui purent s’y développer, peut-être aussi, malgré lui.

L’art entre technologie et rébellion : entretien avec Hervé Fischer

Luis Felipe Noé - Brésil

L’itinéraire intellectuel et artistique de Luis Felipe Noé, des premières rébellions qui ont conduit à Mai 1968 jusqu’à aujourd’hui, invite à requestionner historiquement l’émergence du situationnisme puis du postmodernisme, leurs liens improbables, et l’actualité de leurs analyses face aux bouleversements et aux défis que nous impose désormais la technoscience. L’art qu’on appelle aujourd’hui « contemporain » ne semble plus avoir de parti pris. Il n’est qu’un cocktail d’expériences artistiques consumées, de nouveau élitiste et plus que jamais une marchandise. Mais dans la mesure où de nouveaux processus de revendications culturelles émergeront de la pandémie, l’art reprendra conscience de sa fonction critique. Tout changement politique naît d’une conscience culturelle.

Mario Pedrosa, art, liberté et démocratie culturelle

Izabela Pucu - Brésil

Le processus d’expansion et de réinvention de la notion d’art et d’artiste, déclenché par la crise de la modernité, réactualise le problème de « son intégration dans la vie sociale comme une activité légitime, naturelle, permanente et non seulement tolérée ou acceptée, mais réservée à certaines occasions, dans certains milieux », comme le disait Mario Pedrosa en 1966. Si nous considérons cette problématique comme une ouverture, nous sommes amenés à repenser la place de l’expérience de l’art dans la vie, dans la formation des subjectivités et, par conséquent, de la société, des espaces et des modes de production sociale, ce qui, dans la pensée et les actions de Mario Pedrosa rejoint son parti pris de développement du champ artistique en faveur de la démocratie culturelle.

Le lien entre art et ap(art)heid dans l’œuvre de Durant Sihali, Willie Bester et John Kramer

Anthony Starkey - Afrique du Sud

Le lien entre l’art et l’apartheid dans l’œuvre de Durant Sihlali (1934 - 2005), Willie Bester (1956 - ) et John Kramer (1946- ) et notamment dans leurs peintures d’architectures  ordinaires mettent en évidence la relation entre l’art et la société dans un temps et un lieu particuliers. Nous considérerons donc la biographie et une œuvre de chacun d’entre eux, à un moment particulier de l’histoire troublée de l’Afrique du Sud.

Signes d’Australie

Richard Kelly Tipping - Australie

La poésie consiste à utiliser le moins de mots possible pour en dire le plus possible. Cet amour pour la brièveté poétique m’a amené à étudier le langage des panneaux publics, où des formats graphiques avec des textes minimaux portant un sens essentiel. Les panneaux de rue ont été un aspect essentiel de ma pratique des œuvres d’art verbal.

Le cadre du miroir

Joep Vossebeld - Pays-Bas

Si l’on parle d’art et de public, on en vient rapidement à ce que le public est censé voir. On dit alors « le public voit ». Ou « le public fait l’expérience... ». Parfois, « chacun peut y voir ce qu’il veut », mais en général, personne ne voit rien. Parfois, le public est autorisé à faire des associations, basées ou non sur une ligne directrice avec des thèmes, des couleurs ou des citations. Parfois, il est fait référence à une mémoire collective, à une tradition dominante ou à un fait obscur. Le public « peut compléter l’œuvre d’art », dit-on alors, car « sans le public, il n’y a pas d’art ». Mais en regardant une œuvre d’art, nous voyons bien plus que l’œuvre. Que voyons-nous vraiment ?

Hommage à Nil Yalter : « C’est un dur métier que l’exil »

Hervé Fischer - France et Canada

Exilée, féministe et artiste, Nil Yalter n’a jamais perdu l’énergie qui l’anime depuis plus de quarante ans pour prendre à cœur la cause des populations vulnérables, et tenter de nous faire prendre conscience de la très grande difficulté de vie qu’impose ce destin d’exilé à des hommes, des femmes, des enfants qui sont déracinés et espèrent trouver refuge dans des pays d’accueil, souvent plus que réticents à leur faire une place au soleil. C’est avec des moyens artistiques très simples, des affiches à partir de photos en noir et blanc et des mots, toujours les mêmes, à la peinture rouge, qu’elle barre ces images collées dans les rues en affichage sauvage. Son métier d’artiste a été difficile aussi, les photos documentaires en témoignent, comme la vie de ces exilés occupés à temps plein à survivre. L’actualité de ce travail demeure brûlante.

Une artiste iranienne au Québec : entretien avec Hervé Fischer

Leila Zelli - Iran et Canada

Leila Zelli questionne la construction des identités moyen-orientales en réinterprétant ses images médiatiques. Elle s’interroge sur l’idée de « Moyen-Orient », sur les identités culturelles que véhiculent les médias, sur nos imaginations et représentations collectives de « l’Autre », spécifiquement des gens vivant en 2017–2018 dans les zones de conflits générés par le groupe armé État islamique. Par un travail de recadrage et d’installation de bandes vidéo issues des grands médias et diffusées sur les réseaux sociaux, Leila Zelli opte pour une approche visuelle décalée par rapport aux stratégies habituelles de représentation de l’Autre, de manière à forcer l’attention sur des instantanés de vie et des « hors-champs », qui révèlent ses stéréotypes et les a priori que nous projetons sur ce qui nous est loin, hors de vue et étranger. Cette posture artistique est politique. Se basant sur une mise en contexte détaillée d’une expérience personnelle d’altérité et de résilience, elle appelle ouvertement à la considération de la singularité́ de chaque vie humaine.

De la laïcité artistique

Felip Marti-Jufresa - France

Cet article part de l’affirmation que l’art et la religion sont aujourd’hui deux des vitrines de propagande les plus importantes de notre société libérale, que c’est dans ces champs que se déploie peut-être le plus efficacement le discours idéologique de la liberté individuelle, de la tolérance et du respect de la pluralité. Il ajoute que le stade le plus avancé de réalisation de cette idée libérale de l’art est marqué par la situation contemporaine de la musique. Il conclue que le présent des arts plastiques et audiovisuels est moins pacifié que celui de la musique, qu’il est traversé par des conflits politiques qui réussissent à questionner, malgré leurs propres ambiguïtés internes, l’idée hégémonique de l’art et sa fonction sociale.